el baúl de mefistum

Robert Wyatt Comicopera 2007

2012-05-11T12:17:00.001-04:00

Este fin de semana, un tanto extraño, me dediqué a hacer limpieza y a ordenar un poco este baúl del ocio y me encontré con algunas sorpresas. El paso a mejor vida del link de este disco fue una de ellas, además de comprobar que lo había etiquetado equivocadamente. Como lo considero uno de los mejores discos del 2007, reviví el enlace, lo etiqueté como corresponde y me lo trajé para acá con post original incluido :)

Hace un par de semanas tuve la intención de poner este disco en el blog y, aprovechando que tenía de visita a mi amigo Semiramis, experto en jazz y rock progresivo, me dediqué a escribir algo. Inspiradísimo me encontraba hasta que en cierto momento, sepa Dios por qué, tuve la incauta idea de preguntarle a este ser cómo definiría la música de Wyatt. ¡Gran error!

- Jazz, puh huevón - fue la amable respuesta. No sé qué cara pondría yo que agregó - ya, ya, está bien, jazz fusión... ponle así.

Lo que siguió después mejor no lo cuento porque entre frases mías acerca de la poca voluntad al momento de responder de forma decente (entre otras cositas que dije) y recriminaciones y epítetos que aludían a ignorancias varias, se me acabaron las últimas dos cervezas que me quedaban y con ellas las ganas de seguir escribiendo.

Hoy, solo, mientras escucho esa voz definida como el sonido más triste del mundo cantando Just as you are junto a Mónica Vasconcelos y acompañados por la guitarra de Paul weller, me convenzo de que hay tipos a los cuales las calificaciones les quedan chicas.

No hay forma de encerrar a alguien como Robert Wyatt en cánones establecidos, eso sería ir en contra de su naturaleza. Sería como pensar que el accidente que lo confinó a una silla de ruedas de por vida, limitó sus capacidades creativas.

Comicopera, dividido en actos como serial antigua de televisión, es inasible. De pronto recuerda a Rock bottom, con canciones como la ya mencionada Just as you are y Stay tuned que estremecen y si te encuentran mal parado, te desequilibran. Por momentos experimenta, como siempre lo ha hecho por lo demás, en Out of the blue o se dedica a viajar, por Jamaica en On the town square, Italia en Del mondo o por nuestra memoria adolescente-antisistémica-rebelde en Hasta siempre comandante, el tema aquel de Carlos Puebla dedicado al Che Guevara.

Los tiempos cambian, el escepticismo y ciertos aires de maldito cinismo le van quitando espacio a la ilusión y al romanticismo y, tal vez por eso mismo, me veo atrapado por A beautiful peace y A beautiful war de principio a fin, hasta la última sílaba y la última nota... cosas que pasan.

Gran disco de este genio con cara de pelusón, que es capaz de cantar Comfortably numb junto a David Gilmour, mascando chicle y creando una versión totalmente fresca y exquisita para ese temón de Pink Floyd, en el dvd del ex guitarrista del mejor grupo de la historia del rock.

Recomiendo leer esta entrevista a Wyatt, publicada en El País.com, sólo para fanáticos.

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Quelentaro

2012-04-30T18:45:00.002-04:00

- Tienes que incluir a los viejos, amigo mío - me dice Panchito por enésima vez y asumo que a medida que el vino se vaya acabando me lo dirá con mayor frecuencia.

Más tarde vuelve a la carga
- ¿Te acuerdas cuando cantábamos sus canciones? vamos no te hagas el huevón si a ti aún te emociona Del huerto.
¡Cierto es! Cómo no emocionarme con esos versos que parecen haber sido escritos para expiar un dolor que se me había quedado enredado en el pecho.

Ayer fue tarde toda la tarde, te esperaba, no venías...
harto no venías...
tú andabas haciendo doler las cosas.

Siempre pensé en incluir a los viejos, a sus amigos. Porque el bueno de Panchito es amigo personal de los hermanos Guzmán y cuando le dije que me traería la música del Raíz del tiempo para este blog comenzó con una campaña proselitista en su favor. No era necesario hacerlo pero no se lo digo, lo dejo que se angustie y siga invitando los tragos. Tampoco le digo que no es desde la tristeza ni desde al dolor que deseo escribir algo acerca de sus queridos amigos, sino que desde la poesía, esa que desbordan a montones estos dos hermanos que parecen tener recursos infinitos al momento de involucrarnos con su arte.

La misma poesía que alguna vez me ayudó a entender que ya era hora de desandar un cariño y que no era el único que tenía miedo de vivir una ausencia a solas. Que con el tiempo todo, todo cambia, y que llega un momento en el cual ya no duele pensar un nombre.

Hay que pasar por muchos dolores y confrontaciones con uno mismo para tener el valor de reconocer que el mayor miedo que se puede tener es el de quedarse solo, que hay pocas cosas que asusten tanto como el temor de ser olvidado.

Yo, yo que hice mi vida entera luchando por los rincones,
yo que he llorado en silencio
yo que he dejado cariños secándose en el camino
y me he jugado la vida con unos vasos de vino
¡le tengo miedo al olvido!

La voz de Gastón es inconfundible, es parte de la historia auditiva de este ingrato país. Por momentos es la rabia, la rebeldía, la lucha constante y el compromiso con ideales que nunca se pierden aunque el cinismo gane cada día más espacio.

A veces es el amor, el cariño sin límites por nuestros seres queridos, como así también es la tristeza, aquella que nace de la sensación ineludible de que por más que lo neguemos, nuestro temor más profundo está allí, esperando.

Tengo un temblor en las yemas y hay de tenerlas vacías
no tengo un cuerpo en las manos que dé vuelo a las caricias
no hay una mano que apriete, no hay una mano que entibie
a veces voy como un ciego por el frío de la vida.

Creo que lo mejor que puedo hacer es no seguir devanándome los sesos intentando escribir algo que esté a la altura de los amigos de mi amigo, eso es imposible, y lo más probable es que termine enredándome... aún más. A quienes todavía no conocen a Quelentaro, les pido que se den el tiempo de escuchar Buscando siembra (1995) y El poder de Quelentaro (1999) y permitan que los atrape la poesía, la originalidad, la fuerza y la honestidad que emanan a raudales de cada canción de los viejos. Les aseguro que no será tiempo perdido, por el contrario, será tiempo ganado.

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Francesca Ancarola Lonquén

2012-04-21T01:48:00.000-03:00

En muchas ocasiones, cuando me enfrento a la tarea de componer (sí, componer, presumo de músico), me asalta la inquietud de por qué lo hago. Es algo que me cuestiono a tal punto, que la mayoría de la veces resulta en un intento frustrado.

Ante tanta frivolidad, música ligera, carente de sentido, vacía, me reconforto con el consejo desinteresado de mi amigo Mefistum: “si vas a hacer algo, hazlo con honestidad”. Y es en ese momento en que intento conectarme con mis vivencias, con aquello que se aloja en nuestro inconsciente, cuando surge la voz auténtica, portadora de una verdad esencial y poderosa… la voz de Víctor Jara.

“Que el canto tiene sentido, cuando palpita en las venas del que morirá cantado las verdades verdaderas”, es mucho más que la premonición de su ominosa muerte, es una declaración de principios. Para quienes asumimos una labor creativa, ya sea desde la música, poesía, pintura, etc., el canto de Víctor adquiere total vigencia y nos revela a un cantor popular más vivo que nunca.

Dicen que no hay que temerle a las influencias, pero a veces huimos de ellas en un intento absurdo de escaparnos de algo que llevamos dentro. Con la música de nuestra tierra me pasa esto, cada cierto tiempo siento la necesidad de volver a ella y he llegado a un momento en mi vida en que ya no escapo, por el contrario, siento que le debo mucho y además que necesito de ella.

Creo que algo similar le debe ocurrir a Francesca Ancarola. Además, al escuchar Lonquén, su último disco, y sorprenderme por el respeto pero a la vez, por la libertad creativa al momento de entregarnos nuevas y refrescantes versiones de los temas de Victor, siento que se confirma esa conjetura.

Dedicado completamente al gran cantautor y folklorista chileno, Lonquén conjuga magistralmente diversos estilos y formas musicales en una acertada selección de canciones, en donde destaca la versátil voz de Ancarola: sutil, lírica y hasta rockera.

Es reconfortante confirmar que la intolerancia y el odio sólo disfrutan de triunfos momentáneos. Pensar que asesinando cobardemente a alguien que se encuentra indefenso significaría acabar con su legado, es una ilusión que sólo cabe en la cabeza de quienes ven el mundo en blanco y negro. Victor Jara sigue aún presente entre nosotros... discos como este, lo confirman.

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Elliott Smith, voy quemando los puentes que cruzo

2012-01-05T03:20:00.001-03:00

"Afiló la navaja, héroe cobarde al menos,
cerró los ojos, no dudó un instante
y apretó la carne... sangró su pecho"
(Sobre la cuerda floja, Fito Páez)

"Estás llenando el blog de perdedores", me comenta un amigo. Por otra parte, alguien muy especial me dice: "a mí me gustan los beautiful losers, así que dale no más".

Nunca pretendí que esto fuera así, la idea era compartir algo de la música que tengo y que, a pesar de saber que no es del gusto mayoritario, suponía que a más de alguien podría interesar. Esto acompañado con una leve reseña o descripción de los discos, y si se daba la oportunidad, un poco de sentido del humor, sin exagerar, sólo mintiendo lo justo y necesario.

No sé en qué momento exacto empecé a escribir descaradamente de mí, cuál fue el instante aquel en que entendí que la única manera de transmitir lo que me provoca una canción, era dejando de lado el pudor, el sarcasmo y la ironía, bajar las defensas y mostrar, aunque imperceptiblemente, las heridas que alivia la música.

Porque, por ejemplo ¿de qué otro modo podría pedirle a alguien que no conoce a Elliott Smith, que se dé el tiempo de escucharlo?. Si digo que probó cuanta droga se le cruzó en el camino no creo que logre mucho, tampoco diciendo que él mismo reconocía que para disimular lo que lo carcomía por dentro, buscaba ayuda en el trago, o que se convirtieron en habituales sus entradas y salidas de establecimientos siquiátricos.

No ganaría nada hablando de su niñez dolorosa, con un padrastro abusivo, "Charlie te golpea semana tras semana, y cuando crezcas serás un monstruo" cantaba. Aunque una persona que es capaz de crear una fundación para la protección de niños maltratados antes de morir, ya no se convirtió en un monstruo.

En lugar de todo eso, sería mejor decir que lo entiendo perfectamente cuando canta High times y dice "estoy aburrido de intentar cambiar tu mente, cuando es tan fácil desconectar la mía" y el tema, que comienza con suavidad, se va transformando en un grito desesperado de alguien que sólo desea sentir sinceridad. Alguien que entendió que las cosas hay que hacerlas con honestidad, respetándose a si mismo y no intentar cumplir con las espectativas de otros.

A pesar de las drogas, del alcohol y los desvaríos, cuando Elliott Smith tomó la decisión más importante de su vida estaba totalmente consciente de lo que hacía. La autopsia que se le practicó determinó que se encontraba limpio de sustancias extrañas al momento de morir. Sabía exactamente lo que estaba haciendo cuando tomó el puñal con el que atravesó su corazón en dos ocasiones.

"Hagan las cosas sólo por amor, que el que trabaja en lo que no ama, aunque lo haga todo el día, es un desocupado" dice el maestro Cabral. Creo que si te entregas en lo que haces, si te apasionas por lo que amas, si expones tus emociones aun a riesgo de salir herido, más de alguien lo agradecerá.

Tal vez por eso tantos chicos repasan una y otra vez las letras de este cantautor que odiaba su cara y se sienten identificados con lo que leen. Por lo mismo siguen escribiéndose cosas tan sentidas como Los diez motivos por los que odio a Elliott Smith, y definitivamente, ésta es la razón por la cual yo no creo que este blog esté lleno de perdedores... sino todo lo contrario.

Los discos que pongo a disposición de quienes quieran disponer de ellos son XO de 1998, lleno de guiños a Lennon y McCartney, junto a New moon, disco doble en el que Elliott se acompaña, principalmete, sólo por su guitarra, como en sus comienzos. De todos modos, si alguien se interesa por el resto de su discografía, basta con comunicarse conmigo.

Descarga: XO
Descarga de New Moon: Cd 1, Cd 2

Pitseleh

The Shaggs, lo peor de lo peor

2011-12-22T01:23:00.001-03:00

The Shaggs no sólo posee la distinción indudable, y totalmente merecida, de ser considerado el peor grupo de la historia del rock sino que, además, para muchos se ha convertido en un referente imprescindible gracias a un bigotón irreverente y mal hablado.

Pero antes de entrar en detalles explicaré por qué he decido escribir este post: estaba leyendo un idem de Enver Melis en su blog, El melómano volador, en el cual, irresponsablemente, dice muy suelto de cuerpo, que un grupo que él conoció cumple con todos los requisitos para ser nombrado como lo peor. Confieso que después de escucharlos entendí el entusiasmo de Enver pero lo que ofrecen estas chicas está a años luz del grupillo en cuestión. Entonces, para demostrarle que está totalmente equivocado, escribo esto. Ahora si, entremos en materia.

Corría el año 1969 cuando Austin Wiggins, luego de invertir una buena cantidad de dinero en clases de música por correo para sus hijas mayores, decidió que ya era hora de revelar al mundo el talento que ellas exudaban a montones. Contrató un par de horas en un estudio y llevó a sus retoños para que se explayaran libremente. Dice la leyenda que el ingeniero de sonido, luego de torturar sus oídos con la música de las tres beldades, le propuso a papá Wiggins que aprovecharan de ensayar un poco más antes de grabar, pero él, que por algo estaba pagando, contestó con una frase para el bronce: ¡No, las quiero ahora que están calientes!

Y así fue que Dorothy, primera guitarra, composición y voz, Betty, guitarra ritmica y Helen en la batería, dieron a luz este bodrio de 12 canciones, cada cual más desestructurada que la anterior, carentes de todo sentido rítmico y con letras que avergonzarían a Barney y sus amigos. Por si fuera poco, ellas, tan lindas y forofas, bautizaron su ópera prima con el humilde título de Filosofía del mundo.

Para fortuna de la humanidad, un desalmado y poco visionario estafador se guardó para sí, 900 de las 1000 copias originales. Pero como no es tan fácil detener la evolución, en este caso musical, una de las restantes 100 copias fue a parar a las manos de uno de los genios más irreverentes, irrespetuosos y divertidos que haya conocido el rock, Frank Zappa. Él, que era capaz de reirse hasta de su propia madre, en una entrevista dijo que Philosophy of the world era una gran influencia en su música y que las Shaggs eran casi mejores que los Beatles.

Bastaron esas palabras para que se forjara el mito, de pronto las hermanitas Wiggins se convirtieron en objeto de culto, respetadas y analizadas concienzudamente por los más serios e ~~(ignorantes)~~ influyentes críticos. Incluso, músicos de la talla de Kurt Cobain, hablaban de las cualidades de tan excelente grupo. Ahora que lo pienso, tal vez esto dilucide la duda acerca de lo que escuchaba Cobain a la hora de hechar a volar su masa encefálica.

Pero bueno, como mi idea es dejar en evidencia la equivocación de Enver, pongo a disposición de los valientes que deseen arriesgarse a escucharlos, un tema del grupo del que él habla, Trumpet Boredom y uno de The Shaggs. Si alguien sobrevive, se acepta su opinión. También se puede descargar Philosophy of the world (no lo recomiendo) del trío maravilla.

Nota: Para demostrar que el talento ilimitado no es exclusivo del primer mundo, he agregado un video del ídolo de multitudes chileno René de la Vega, también se puede votar por él.

Trumpet Boredom: Hey Jude

The Shaggs: Philosophy of the world

Descarga del disco

René de la Vega Chica rica

Hope Sandoval

2011-10-21T01:38:00.007-03:00

Hope es la dueña de esa voz de suavidad infinita que, desde los discos de Mazzy Star, era capaz de engañarnos y hacernos pensar que sus susurros eran inofensivos. Gran error.

Hay cosas que están más allá de nuestras posibilidades, que quisiéramos poder atrapar con nuestras manos, proteger en un abrazo intenso, o, simplemente, mantener a nuestro alcance para aliviarnos cuando la vida se pasa de revoluciones.

Hay momentos que desearíamos alargar indefinidamente, como la frescura de una suave brisa en el rostro, o el canto de un pájaro en una mañana primaveral o ese susurro de Hope... pero no se puede.

Ella es etérea, no tiene lugar más que en nuestros sueños, ni siquiera en nuestros planes y objetivos más descabellados. Nos atrapa con ese aire de indiferencia que es capaz de enloquecer hasta al más pintado. Nos ofrece la posibilidad y nos la niega al mismo tiempo, dejándonos con una sensación de extraño vacío que sólo podemos aliviar recurriendo nuevamente a ella, porque Hope es un embrujo.

Aquellos momentos de mayor intimidad y caricias al alma que se encuentran en los discos de Mazzy Star, son los que se evocan en este hermoso trabajo.

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Sobre Arthur C. Clarke, un talento adolescente y wallpapers

2011-06-07T18:09:00.006-04:00

Hace algunos años leí en algún lugar que cuando las manías de la persona con la que estás (pareja, amante, novia, etc.) comienzan a parecerte encantadoras y para nada molestas, significa que estás frito, perdón... que estás enamorado, eso quise decir. Pues bien, siendo totalmente auto referente, confieso que una de mis manías (de las confesables públicamente) es la de ser incapaz de mantener una conversación coherente sobre un sólo tema en particular. Se me hace imposible concentrarme en una sola cosa y generalmente empiezo hablando de algo y a los 30 segundos estoy en otro tema, luego otro y otro y posteriormente, como si fuera poco, los mezclo todos y termino con un lindo cóctel totalmente arreglado a mi gusto... para espanto de mis interlocutores.

Todo esto a propósito de tres temas que pueden parecer de lo más alejados entre sí para cualquier mortal (Arthur C. Clarke, un mocoso con talento y wallpapers) pero que, desde mi punto de vista, o sea, de mi manía, son sólo parte de un engranaje que funciona mejor si se mezclan.

Vamos viendo, hace unos días me dio por releer Cita con Rama, una excelente novela de Arthur C. Clarke que leí por primera vez a comienzos de los 90s. Me impactó tanto en aquella ocasión que traté de alargar al máximo su lectura limitándome a sólo algunas páginas diarias (si, lo sé, suena un poco maso pero bue...) Pero no la leía solo, en esos días había llegado a mis manos un caset con grabaciones de Drum'n'bass, algo totalmente nuevo y atrapante que escuché sin cesar y en segundo plano, mientras me dejaba llevar por la narración magistral de Clarke. La cuestión es que leer la novela y escuchar Drum'n'bass se convirtieron en algo inseparables. O bien, al escuchar la música, las imágenes creadas al imbuirme en el mundo de Cita con rama, llenaban mi mente.

Y bueno, como quería revivir las emociones de aquel entonces de manera plena, busqué algo por el estilo que escuchar. Entré a Jamendo, donde suelo perderme y pasar ratos interminables, y no sé cómo ni de qué manera, terminé en la página de StatueOfDiveo, un talentoso chico que a los 13 años ya había editado un disco en su casa. Ahora, con 15 años a su haber, ya tiene varios discos grabados y producidos por él mismo y el futuro se le ve promisorio. Entonces, de pronto tuve de nuevo música de fondo para la lectura, esta vez apresurada y ansiosa, de esa maravillosa novela.

¿Y los wallpapers que tienen que ver con todo eso? Absolutamente nada. Aunque perfecta y fácilmente podría hacer largas y elucubradas asociaciones para llegar a la única e indesmentible conclusión de que sí tienen relación directa las tres cosas. Pero, siendo bien sincero, debo confesar que la verdadera asociación es la fascinación que siento por los fondos de pantalla, me encantan, soy un fanático de ellos. Es más, tengo páginas marcadas que suelo revisar por si han aparecido nuevos. Paso horas (literalmente) viéndolos, seleccionándolos cuidadosamente y descargando los mejores para, al final, quedarme con uno o dos... con suerte. Siempre quise escribir un post sobre ellos pero me daba lata y un poco de vergüenza pero ahora, bueno, aproveché el momento xD

En cuanto a mi manía, debo decir que ya la he asumido plenamente, no me molesta ni trato de ocultarla. Además, hay una persona especial a la que le parece hasta atractiva y, al final de cuentas, su opinión es la que verdaderamente importa, ¿no?

Dejo los enlaces de los libros que tengo de Clarke, a la página en Jamendo de StatueOfDiveo, un par de Wallpapers y la mía de Imgur donde subo los fondos que me van gustando.

Saludos.

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Tindersticks

2008-05-26T00:29:00.007-04:00

Leía hace poco en algún lado, que si uno está triste, no es buena idea escuchar a Tindersticks porque tristeza puede convertirse en depresión. Me acordé entonces de una conversación trasnochada entre amigotes hace muchos años, en la cual alguien dijo que el disco que escuchaba mientras conducía por carreteras casi desoladas, era The Final Cut de Pink Floyd. Oir esos temas que deben ser los más melancólicos que ha compuesto Roger Waters, en lugar de deprimir a mi amigo, lo llenaba de energía.

Creo que el quid del asunto no es suponer que por preferir un tipo de música en especial, uno será más o menos propenso a ciertos estados de ánimo, sino que, y esto es una opinión muy personal, cuando se tiene la capacidad de escuchar un disco como el último de esta banda y regocijarse como niño con juguete nuevo, y por si fuera poco, no sufrir ningún cambio anímico más que el de sentir que se está frente a una obra valiosísima, entonces, en ese momento, se siente la satisfacción de saber que nuestro caracter da para mucho más que rabietas momentáneas y actitudes de niño mal criado.

Tindersticks, como muchos grupos independientes, tuvo, y sigue teniendo, la osadía de intentar reinventarse continuamente. Tal vez sea la inquietud de los que no soportan el estancamiento o saber que siempre se puede hacer algo nuevo. Hay una búsqueda de autosatisfacción latente, un deseo de sentirse orgulloso con lo que se hace, si luego es del gusto de los demás, cuánto mejor, pero si no es así ¡qué se le va a hacer!

Al igual que aquel tan excelente como desconocido grupo que es Divine Comedy, Tindersticks basa sus composiciones en arreglos musicales de alto nivel, verdaderas orquestaciones avalados por la genialidad de sus integrantes, todos multi instrumentistas, y la inconfundible voz de Stuart Staples. Sería imposible confundirlos con otro grupo, sería una locura decir que suenan como tales otros.

Lo que no es una locura ni una imposibilidad luego de repasar una y cien veces The hungry saw, desde la belleza inicial de la intro hasta la repetición hasta el hartazgo del tema que da el nombre al disco, es quedar con la sensación de que valió la pena esperar desde Waiting for the moon del 2003 porque, a pesar de que aun no llegamos ni a mitad del 2008, ya estamos en presencia del mejor disco del año. Si en unos meses más aparece otro que lo supere, no tendré ningún empacho en cambiar de opinión, pero por el momento, ya tengo mi favorito.

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Midnight Oil

2008-05-12T03:15:00.004-04:00

Siempre he sentido un cierto rechazo hacia los artistas o celebridades que viven buscando causas que defender. Ese impulso casi enfermizo de algunos por demostrar la preocupación que sienten por las hormigas amarillas del Congo o por el desarme nuclear en Andorra me provoca, aunque intento que no sea así, un resquemor en las venas, un fruncir de ceño que no alcanzo a disimular. Tengo la sensación, de mal pensado que soy no más, que en el fondo no tienen idea qué es lo que defienden.

Afortunadamente, con el tiempo uno empieza a desarrollar una especie de "instinto", como un radar anti-chantas (falsos, vendedores de cuentos). Igual nos pueden engañar pero, en la mayoría de los casos, salvamos, o por lo menos nos liberamos de convertirnos en seguidores de "buenos propósitos" que les llenan los bolsillos a los de siempre o les confieren auras de santos a quienes no lo merecen.

Sin embargo hay gente a la que sí hay que creerles; hay personas que a punta de consecuencia, e incluso, de sacrificios a veces, se ganan el derecho a la credibilidad a toda prueba. Puede que no coincidamos en todo lo que nos proponen, pero es imposible no reconocerles su sinceridad.

Eso es lo que siento al escuchar a Midnight Oil, eso es lo que me ha cautivado siempre de esta banda. Esa sensación de que me interpelan directamente con lo que dicen, que lo que canta y, en ocasiones, grita su vocalista, Peter Garret no son mensajes hechos a la medida de las buenas intenciones de moda. Si los tipos hablan de las injusticias cometidas con los indígenas de su país o de la defensa a ultranza de la preservación de los recursos naturales, sé que saben de qué se trata. Sé que se han inmiscuido directamente y, por lo tanto, no les llegó de oídas una noticia que puede ser atractiva para ganar adeptos.

Como le ocurrió a mucha gente, mi conocimiento de estos australianos se debió al éxito que tuvo Beds are burning, pero como la experiencia enseña que dónde hay algo bueno, es muy probable encontrar más de lo mismo, me imbuí en la discografía del grupo y me encontré con verdaderas joyas.

Debido a lo mismo me costó mucho elegir qué discos postear, al final me decidí por 10, 9, 8, 7... (1982) que, a pesar de sus toques experimentales, resulta ser un disco directo y de fácil llegada y que no es valorado en la medida que debiese ser, a mi modo de ver. A él, agrego Diesel and dust (1987) el super ventas del grupo y que se merece todo lo bueno que les acarreó. 20,000 watt RSL (1997) un grandes éxitos muy bien hecho y The real thing (2000) una compilación de temas en vivo, del unplugged en MTV y con el agregado de 4 canciones inéditas.

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Live

2008-05-08T03:30:00.013-04:00

La sociedad moderna surgió cuando los hombres se negaron a aceptar la predestinación

Es así, la modernidad y lo que esta conlleva, es un gran acto de rebeldía contra el destino obligatorio, contra la sumisión a los designios o los caprichos de los dioses, contra el fatalismo que llevaba a nuestros mayores a decir suspirando cuando ocurría una desgracia: “Se ve que estaba escrito”. Nos negamos a aceptar que nada en nuestra vida esté escrito de antemano, inaccesible a la soberanía de nuestra voluntad.

El mundo moderno ha sido hecho por quienes se negaron a aceptar la predestinación, a obedecer lo establecido; por quienes se atrevieron a decir lo que estaba prohibido y a romper con lo que se esperaba de ellos. Por los impíos y los iconoclastas, los que no aceptaron que las desigualdades y las injusticias formaban parte del orden natural de las cosas, que la pobreza era un castigo de Dios y la monarquía un designio divino; que los negros habían nacido para ser esclavos y las mujeres para servir al varón y criar a sus hijos.

Este mundo moderno ha sido creado, en parte, también por la literatura, y en ella el héroe es casi siempre un rebelde que actúa a contracorriente, un inadaptado que pone en cuestión las reglas sagradas para otros, que rompe con su vida obligatoria y se empeña en construirse otra. Y por la Música, donde la rebeldía se “rompe” en millones de expresiones, de experimentaciones cada una más loca que otra, donde el conformismo es nulo, al menos dentro de aquellos grupos que aman lo que hacen y no se encasillan en el estilo de moda, sino, rompen barreras temporales y evolucionan.

En 1994, un grupo de York, Pennsilvania, decidió hacer algunos experimentos en cuanto a lírica, música, y composición. De esta experimentación salió uno de los mejores álbumes de rock alternativo (así es, clasificado como rock alternativo porque otra opción no había, salía de lo común).

Throwing Copper fue un suceso que marcó la pauta para muchos grupos que surgirían después. Si bien adoptó un tanto del grunge que explotaba en las radios en los 90’s, rápidamente marcó la diferencia al adoptar una letra “legible” pero armónica (Ed, el vocalista, debe ser de los mejores compositores modernos) y desgarrar la voz en cada uno de los temas haciéndolos, entre dramáticos y furiosos y sobre todo creíbles.

No exagero al decirles que escuchar uno de los temas de este hermoso álbum es vivir emociones intensas: el amor a la Tierra, a la vida, y a la pareja, en este último caso tomando una relación sentimental como un todo compenetrado con la creación. Live supera la barrera del tiempo y el espacio, y simple y sencillamente, o nos teletransporta a aquél mundo que teníamos de niños cuando hablábamos con los animales y las plantas y nos sentíamos parte de ellos como si fuéramos todos uno solo, o nos incita a reconocer que es así (pensando en global) como deberíamos interactuar entre nosotros.

“La sociedad moderna surgió cuando los hombres se negaron a aceptar la predestinación”

Live, entre muchas cosas, se negó y se niega a vivir en un futuro sombrío y así lo predica.

Es siempre reconfortante saber que para mucha gente la modernidad va de la mano con la vida.

Live es de esa mucha gente.

Lucybel

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M Ward

2008-04-30T02:59:00.016-04:00

La primera canción que escuché de M Ward fue Sad, sad song, y no pude evitar relacionarla con Tom Waits. Fue como escuchar al viejo Tom sin el ajetreo de decadas de noctambulismo, como si de pronto hubiese recuperado su gastada y roída garganta para volver a cantar como en sus inicios. pero fue sólo una impresión momentánea. Luego, a medida que conocía el resto de los temas de Transfiguration of Vincent (2003), me fui sorprendiendo y dejando llevar por esa voz calmada, sosegada y que no da vestigios sobre su autor.

Allí empezaron los problemas porque uno, sin querer o sin darse cuenta, necesita visualizar a quien escucha, si no tenemos la imagen inmediata, recurrimos a una fotografía, si esto no es posible, nos queda la opción de la imaginación. Es entonces que el inconciente toma las riendas, y como buen inconciente que es, no mide las consecuencias y se larga a re-crear o a re-armar el mundo y la realidad a su antojado gusto.

En este caso, mi imaginación no pudo estar más equivocada, jamás se me habría ocurrido que el tipo que se pasea en ese disco entre el blues trasnochado de Poor boy, minor key y el folk con tintes poperos de Helicopters, esgrimiendo una voz que no se puede encasillar, fuese un esmirriado muchacho con facha de hijo bueno que me recuerda al personaje de River Phoenix en Esa cosa llamada amor de Peter Bogdanovich, película casi de culto en un cerrado círculo familiar cinéfilo.

Como si fuera poco, cuando aun no convencía a mi inconciente de que Ward no es barbón, ni usa lentes, ni muestra vestigios de una vida de reviente, se asoman a mis oídos la inquietante intimidad de Involuntary y la mejor versión de Let's dance de Bowie que hemos escuchado alguno de los dos (que a esta altura, ya somos la misma cosa) y mandan todos mis argumentos al tacho de la basura. Definitivamente, las fotos que encontré de Ward en la red... ¡son falsas! No puede ser que alguien que se ve tan joven logre conectar de esa forma con quien escucha, sobre todo con ese espacio en nuestro cerebro en el cual las cosas no se explican... se sienten.

La curiosidad mató al gato dicen, pero en este caso vale la pena arriesgarse y continuar conociendo lo que ha hecho este cantautor. Sobre su carrera discográfica, sus éxitos y popularidad en espacios reducidos de público; sobre su estilo y sus acompañantes, se puede saber y leer en muchas partes en la infinita vastedad de Internet, o en su página, M Ward music.

Y acerca de Transfiguration of Vincent, o del excelente Post - War del 2005 o de cada uno de sus discos, que son una muestra de consecuencia y buen gusto, podemos opinar todos nosotros porque, con el descaro que da la inconciencia, los pongo a disposición de quien los desee.

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Love and Rockets

2008-04-24T00:06:00.007-04:00

Luego de la disolución de Bauhaus y de aventurarse con proyectos individuales, Daniel Ash y David Jay se encontraron en Tones on tail, grupo de Ash. De allí a que naciera la idea de volver a reunirse sólo hubo un paso; Kevin Haskins estuvo de acuerdo pero Peter Murphy no aceptó, su carrera en solitario pintaba bien y no tenía motivos, por el momento, para querer revivir al monstruo.
Pero los muchachos no se amilanaron, tomaron el nombre de la revista de comic underground Love and Rockets y armaron su propio y nuevo proyecto. Con Ash en guitarra y voz, Jay en bajo y voz y Haskins en batería, la banda lanza su primer disco, Seventh Dream Of Teenage Heaven, en 1985 con un par de temas que lograron difusión radial, especialmente Ball of confussion, y con un sonido, que sin alejarse exageradamente de Bauhaus, nadie podría decir que era su continuación.
Creo que las grandes diferencias con lo que hacían junto a Murphy, fuera de la voz obviamente, radican en el uso de guitarras acústicas y una atmósfera un poco menos densa. Aunque mantuvieron la línea vanguardista y la búsqueda de ritmos complejos, su propuesta es mucho más accesible que la de su ex grupo. A pesar de esto, sus seguidores se circunscriben, principalmente, a quienes ya los conocían desde antes, círculos universitarios y fans momentáneos debido a éxitos como Kundalini express y All in my mind.
En 1989 de la mano de su cuarto disco, Love and rockets y del Top Ten So alive logran el reconocimiento masivo pero para sorpresa de muchos, el grupo se hundió en un ostracismo del que sólo salieron 5 años más tarde, luego de que cada uno probara suerte en diferentes proyectos. El siglo 21 los sorprende con la posibilidad de reunir a Bauhaus para presentarse en vivo por lo que posponen cualquier posibilidad de nuevas producciones, exceptuando Sorted The best y el tan esperado disco en vivo So alive, ambos del año 2003 y que junto a Express, en una versión remasterizada, son los que pongo a disposición de vosotros y con los que cumplo mi deuda contraida la semana pasada... creo :)

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Peter Murphy y Daniel ash

2008-04-17T02:20:00.008-04:00

Luego de la separación de Bauhaus el más prolífico como solista, resultó ser Peter Murphy, que tuvo el buen tino y la sapiencia necesaria para saber cómo equilibrar lo que había hecho en el grupo y acercarse a otros estilos, incluyendo el pop, sin perder ese toque de calidad que lo diferenciaba de las estrellas de moda.

A través de discos como Love Hysteria (1988), Deep (1998) o Cascade (1995) dio vida con su reconocida voz, a temas tan buenos y variados como las potentes Cuts you up, The scarlet thing in you, las radiales All night long y Dragnet drag, y las bellas I'll fall with your knife (mi favorita) y Strange kind of love. Todas ellas se encuentran en Wild birds, un compilado que abarca los años comprendidos entre 1985 y 1995. Además, es bueno mencionar el trabajo que ha realizado ultimamente con Trent Reznor, lider de Nine Inch Nails, que paradojalmente, o quizás no tanto, también colaboró con David Bowie, ícono innegable de Murphy.

Los otros tres integrantes de Bauhaus: Daniel Ash (guitarra), David Jay (bajo) y Kevin Haskins (batería) formaron Love and Rockets, un excelente grupo con el que lograron la masividad y el reconocimiento más allá de los círculos en los que se les conocía a comienzo de los 80s.

En 1991 Ash editó Coming down, un disco casi desconocido, con un tinte más íntimo y personal, sin grandes aspiraciones y quizás por eso el resultado es una producción interesante y atractiva. Usando de fondo un ambiente de tenue sensualidad y elegancia se da el gusto de iniciarlo con una muy particular versión de Blue moon que da paso al directo Coming down y a los tintes latinos de Walk this way, para luego internarse en un verdadero juego de insinuaciones musitadas casi media voz, incluyendo un cover de Day tripper.

Extrañamente, de este disco hubo un tema que pudo ser escuchado en las radios de este lado del universo: This love, que es el que más recuerda a Love and Rockets. Este, junto a Wild Birds y una actuación en vivo de Peter Murphy, son los que se pueden encontrar en ese leve lugar en el espacio que dice Click.

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Angelo Badalamenti Twin Peaks

2008-04-15T19:40:00.005-04:00

Hace algunos años adopté la sana política de no recrear o intentar recuperar los buenos momentos vividos cuando infante o adolescente, recurriendo a la revisión de las antiguas series de televisión, ya fueran animadas o "reales". Esto debido a algunas malas experiencias sufridas al percatarme que varias de ellas dejaban mucho que desear en cuanto a calidad argumental y técnica y, la verdad es que fue casi traumático ver en dvd algunas que siendo bien sinceros... son un asco. Pero siempre hay escepciones.

Luego de quitarle el bulto por más de un mes, me decidí hace una semana a revisar los 4 dvds en los cuales se encuentra la primera temporada de Twin Peaks y debo reconocer que nuevamente estoy involucrado en las peripecias del agente Cooper en su investigación del asesinato de Laura Palmer.

La historia es más o menos esta: en un pueblo semi rural norteamericano se encuentra el cadaver de Laura Palmer, adolescente popular y querida por todo el mundo y como es un caso poco habitual en el lugar, es asignado un agente del FBI para que investigue.

Cumpliendo con lo que es una regla básica en todo lo que lleva la firma de David Lynch, lo único normal en la serie son los primeros minutos, luego todo se distorsiona, los personajes van mostrando su lado más oscuro, se deja en evidencia que detrás de las bellas fachadas ocurren cosas insospechadas y que hasta el más inocente tiene algo que ocultar.

La trama es atrapante, con personajes muy bien construidos y actuados, un argumento novedoso, con esas pinceladas de humor absurdo y oscuro tan propio del director de Blue velvet y con diálogos que a veces sorprenden y no sabes si reir o tomarlos en serio. Como muestra lo siguiente:

Agente Cooper dirigiéndose al comisario local en una clínica veterinaria:
- Harry, es tan claro como las señales de tránsito que el pájaro que atacó a Laura Palmer es paciente de esta clínica. - Esto dicho con la mayor seriedad del mundo.
O esta otra dicha por otro agente explicando (?) el comportamiento de su novia:
- No quiere hablarme y no sé por qué. ¡No entiendo por qué está haciendo lo que está haciendo!
- Aquí no se aplica la lógica Andy, a grandes rasgos, las mujeres están cortadas de otra tela.
- Amén - los demás a coro. Sabias palabras :D

La serie sirvió de plataforma para la carrera de varios actores desconocidos hasta ese momento como Kile MacLachlan, Sheryl Lee, Sherilyn Fenn o Lara Flynn Boyle, y también para la edición de un excelente disco con la música compuesta por Angelo Badalamenti, que es el complemento perfecto para el clima de falsa normalidad y sosiego en el que se desenvuelve la acción.

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Bauhaus

2008-04-14T00:49:00.001-04:00

Tal vez sea por el frío intenso que de pronto se apoderó de mi ciudad sin previo aviso, o porque una visita al blog de Enver Melis, El melómano volador, me los recordó o porque en estas noches gélidas sureñas la neblina se apodera de las calles y me trae recuerdos de otras mucho más heladas y oscuras, que casi instintivamente desempolvé mis discos de Bauhaus. Fue un impulso inconciente, sólo me dejé llevar y que sea lo que debe ser. Luego de eso, bastó con oir los acordes iniciales de Third uncle para transportarme, como dice mi madre, de un paraguazo, a ese tiempo en que las preguntas sin respuestas eran el pan de cada día; aquellos momentos en que una frase o un verso parecían estar hechos a la medida para lo que vivía.

No sé qué tan habitual sea que uno se sienta acompañado y más aun, reconfortado, por la música de uno de los grupos más oscuros de la historia del rock, pero... asi no más era. Había algo cercano, una tristeza familiar y constante en la música de esos tipos cuyos nombres no conocía, que me hacía sentir identificado. No tenía idea de que se les consideraba los mayores exponentes de lo que se bautizó como Rock Gótico, por buscar un nombre para definir al post punk, ni que eran muchos los que, como yo, no sólo no se asustaban con lo que oían sino que respiraban aliviados al saber que había algo más de lo que nos ofrecía la ignorancia musical de los programadores radiales chilenos de los 80s.
Asi que como homenaje a aquellos recuerdos, al frío de mierda que llega a doler, a las noches de neblinas cerradas y casi impenetrables que ya comenzaron y a la buena música, esta semana la dedicaré a Bauhaus, comenzando de inmediato, y a sus extensiones, léase discos solistas de Peter Murphy (vocalista), Daniel Ash (guitarra, saxo) y Love and Rockets, grupo formado por el mismo Ash y Kevin Haskins (batería) y David Jay (bajo).

Creo que no es necesario decirlo luego de lo escrito en los párrafos anteriores pero lo digo igual: la música de Bauhaus va dirigida a aquella parte nuestra que intentamos no mostrar, a esa cara oscura que, como dijo el gran Oscar Wilde, todos tenemos pero ocultamos. No hay concesiones a la buena onda ni a los pensamientos inocentes o ingenuos. Ni siquiera Robert Smith en sus más fructíferas pesadillas logró emular el aire de desasosiego que se adivinaba en esas melodías tortuosas acompañadas por la voz intranquila y al borde del desgarro de Murphy.

Luego de debutar con Bela Lugosi's dead, un single de 9 minutos de duración que sorpresivamente se convirtió en éxito entre un grupo cada vez más grande de desadaptados amantes de la noche, el grupo edita el excelente In the flat field (1980) y de ahí en adelante todo fue elogios. Incluso la estética glam que fue adoptada por ellos, por primera vez adquirió un sentido más profundo que lo netamente visual. Pero los egos demasiado grandes no pueden convivir por mucho tiempo así que no extrañó que luego de Burning from the Inside (1983) su cuarto disco en estudio, el grupo pasara a mejor vida, como debía ser por lo demás, para responder debidamente al sino de los melancólicos.

Este año, y luego de un cuarto de siglo desde Burning... y una cuantas reuniones para ganar morlacos a costa de los recuerdos, el grupo editó un nuevo disco. Pero tal vez por que las exigencias son mayores o porque a las preguntas sin respuestas de antaño se les han unido muchas más, un dejo de decepción quedó rondando en este lejano seguidor. Puede ser sólo una percepción momentánea, ¿quién sabe? O como dice Enver en su post, parece que se les nota que no disfrutan tocando junto como antes. En fin, sea como sea, dejo a disposición de seguidores trasnochados y oídos curiosos In the flat field, Crackle un grandes éxitos y el nuevo disco, Go away white. ¡Ah! y el video de la versión de Bauhaus de Ziggy Stardust del Duque Blanco, que me encanta. ¡Salú!

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Mark Hollis

2008-04-10T01:55:00.013-04:00

Luego de que Talk Talk editara Colour of spring, Mark Hollis, y sus compañeros de ruta, Paul Webb (bajo) y Lee Harris (batería), más el productor Tim Friese-Greene, verdadero cuarto hombre del grupo, se encerraron en una iglesia abandonada durante más de un año, volviendo locos a los ejecutivos de su disquera que ansiaban nuevos singles como It's my life para lanzar al mercado. Pero los muchachos tenían otra idea en mente.
Ya en temas como Renèe (It's my life 1984), April 5th, Chameleon day o Time it's time (Colour of spring 1986) y singles como For whats it's worth y John Cope, habían anunciado lo que pretendía hacer.

La primera evidencia de que las cosas tomaban un nuevo rumbo fue la entrega de un disco de sólo seis temas totalmente alejados de los convencionalismos y de lo esperado por el sello. Por si fuera poco el grupo anunció que no volverían a hacer presentaciones en público aduciendo a la imposibilidad de tocar esos temas en vivo y por último, al negarse a aceptar la edición de I believe in you por parte del sello que "necesitaba" algo parecido a un single, definitivamente las relaciones se rompieron. El delicado equilibrio en que convivían el mecantilismo y el arte no podía mantenerse por mucho tiempo.

Spirit of eden se convirtió en un disco de referencia obligada para los amantes del rock, en base de lo que después se llamaría post-rock, y para muchos, en uno de los mejores de la historia de la música. Además, es la primera parte de una trilogía que seguiría con Laughing stock (1991) y el disco solista de Mark Hollis que, a pesar de ser editado en 1998, continua una linea basada en la libertad de creación y la utilización de la música como medio de máxima expresión compositiva y conceptual, al igual que sus antecesores.

Hay una consecuancia lógica en la creación de Laughing stock y Mark Hollis, ambos profundizan aun más en el concepto desarrollado en Spirit of eden: preferencia por el sonido acústico, apertura a la influencia de estilos que van desde el jazz al blues y por momentos, pasajes de improvisaciones propias de una jam session y todo esto aderezado con las letras y la voz de Hollis, que parecen estar dirigidas a ese espacio en el que emoción y razón se entrelazan sin problemas.

Han pasado diez añoz desde el lanzamiento del disco en solitario del vocalista de Talk Talk y al parecer no hay intención de su parte por grabar algo nuevo, tal vez nunca lo haga. Las referencias que se tienen de él hablan de su retiro, de su alejamiento definitivo de la industria musical y no se le puede culpar. Por lo menos nos dejó un disco de antología que recomiendo si o si escuchar a quienes no lo han hecho aun.

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Talk Talk

2008-04-07T03:00:00.013-04:00

Escuchar a Talk Talk es enfrentarse a un proceso que es básico pero no siempre bien asumido ni aceptado: evolución. Entendida esta como el deseo natural e irreprimible de huir del estancamiento, de la rutina, aunque eso signifique alejarse de la fama y las luminarias.
A la inversa de lo que ocurre con muchos grupos que se inician como proyectos interesantes y acaban enredados en la maraña de la industria musical, Talk Talk debutó con un disco, The party's over (1982), que se enmarcaba casi perfectamente en la onda comercial y light de aquellos años, aunque con la salvedad de letras más cuidadas y la excelente voz de Mark Hollis, y terminaron con Laughing stock (1991), último eslabón del grupo en una historia de evolución permanente y de desafío constante para quienes lo escuchaban.
Ya en su segunda producción, It's my life (1984) y de la mano de temas como el que da el nombre al disco, Such a shame o Renée, marcaron diferencia con sus pares. Esto se vio fortalecido aun más en Colour of spring (1986), en el cual comienzan a experimentar con sonidos cercanos al jazz, el ambient y pasajes totalmente inclasificables.
Este es uno de los discos más atesorables que he escuchado en mi vida y creo que resume perfectamente lo que fue Talk Talk. Desde el inicio con esos compases de solo de batería embrujador de Hapiness is easy, en el cual es casi paradojal escuchar a Hollis y su voz de sublime tristeza, decirnos que la felicidad es fácil, pasando por Life is what you make it, en que nos grita a voz en cuello que los máximos responsables de lo que nos ocurra (o no) somos nosotros mismos y que basta de excusas, hasta Chameleon day y April 5th, donde el formato tradicional de canción pasa al olvido y se transforman en pensamientos inconexos susurrados sobre una nube de notas estremecedoras.
Si a ellos sumamos la belleza de I don't believe in you y Time it's time, con su progresión a niveles casi sinfónicos y su final apoteósico, obtenemos un disco redondo, perfecto, sin fisuras y que mostraba que el grupo se encontraba en un periodo de crecimiento y aprendizaje que los llevó a evolucionar más rápido que a la mayoría de sus seguidores.
Le siguieron Spirit of eden (1988) y Laughin stock (1991), aclamados por la crítica e ignorados por las masas y los programadores radiales, afortunadamente. Elaborados e inclasificables, son ambos experiencias totalmente nuevas que deben vivirse de todas maneras y en los cuales dejan en claro que los convencionalismos habían quedado atrás hace años y que, además, permiten que la voz de matices ilimitados de Hollis, se mueva totalmente a sus anchas.
Diez años de existencia plasmados en cinco discos, dos de los cuales, más uno en vivo, se encuentran pinchando donde dice Click. No está mal para iniciar la semana... creo :)

Notas post sueñum: Primero, la discografía completa se encuentra sumergiéndose en el enlace de mi nunca bien poderado foro Des-a-forados
Segundo, It's my life y Colour of spring tienen un par de bonus agregados por este humilde servidor. Se trata de singles que no fueron incluidos en los discos oficiales.
Y tercero, en unos días posteo el disco de Mark Hollis. Creo que se merece un post aparte.

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Electric Light Orchestra

2008-03-24T02:55:00.009-03:00

Cuenta la leyenda que a fines de los 60s, después de mucho insistir, Roy Wood logró convencer a Jeff Lynne de que abandonara su grupo, Idle Race, y se uniera a The move con la promesa de que juntos harían grandes cosas en beneficio de la música. Lynne aceptó convencido de que sólo sería por un corto periodo de tiempo mientras se consolidaba como productor musical, su verdadero anhelo. Pero Wood, zorro él, conociendo la admiración que sentía Jeff por los Beatles, le propuso un nuevo trato: crear un super grupo que tomaría la música donde los Fab 4 la habían dejado (según su opinión) es decir, desde I am the walrus, aquel tema de Lennon del Magical mistery tour.

La tentación fue irresistible para Lynne y sin pensarlo mucho, se embarcó en la nueva aventura. Convencieron al batero Bev Bevan, de irse con ellos, reunieron un grupo de músicos de conservatorio y nació Electric Light Orchestra con un disco bajo el brazo de nombre homónimo. Todo perfecto, el disco es estupendo, lleno de matices experimentales que son una delicia; inclusión de instrumentos de cuerdas (violín, viola, contrabajo) y la recurrencia a acordes y notas que desconciertan, asombran y asustan por momentos. Pero a pesar del éxito de crítica la recepción popular es casi nula y por si fuera poco, Wood anuncia su alejamiento del grupo diciendo que eso no era lo que quería hacer.

Y así, sin pedirlo ni esperarlo, Lynne se vio de pronto rodeado de tipos tanto o más talentosos que él, que lo miraban fijamente esperando una decisión. La necesidad tiene cara de hereje dicen y nuestro amigo agachó la testa, comenzó a componer como desaforado y en un lapso de cuatro años de la mano de ELO II (1972), On the third day (1973), mi favorito :), y el más sinfónico y conceptual de todos Eldorado (1974) había consolidado a su grupo como una de los mejores, más originales y poco valorados de la escena rockera inglesa.

En 1976 editan Face the music, el primer paso serio hacia la fama y el rock comercial de gusto masivo y con un primer tema (Fire on high) que pasaría a la historia por sus connotaciones satánicas truchas (en un próximo post trataré el tema). Desde este momento en adelante fue, literalmente, coser y cantar, apoyados en espectaculares presentaciones en vivo que incluían discos voladores descendiendo en el escenario, la tan ansiada consagración los acogió dulcemente. La consolidación total llegó en1979 con Discovery, el más popero, vergonzoso e irresistible de sus discos, un verdadero placer culpable, con temas como Last train to London, Midnight blue y el desapercibido y estupendo The diary of Horace Wimp.

La década de los 80 la inician con la agrupación reducida a cuatro integrantes y con dos discazos: Time (1981) y Secret messages (1983) donde Lynne vuelve a jugar con el tema del satanismo que, como ya dije, trataré en otro momento... si me acuerdo. De este último disco sonó hasta el hartazgo Rok 'n' roll is king. En 1986, por compromisos contractuales con la casa disquera, editan Balance of power, una producción sin chispa ni encanto que denotaba el ansía de Jeff de dedicarse a la producción, área en la cual pudo, por fin, codearse con sus ídolos de juventud: George Harrison y Paul MacCartney. Finalizando esa década formó junto al mismo Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison y Tom Petty, The travelling Wilburys pero como suele decirse... esa es otra historia.

El año 2001 cansado de que sus ex compañeros editaran trabajos de segundo orden con el nombre del grupo, Lynne quiso emularlos y graba Zoom, un disco, mmm.. perdonable. Mejor no hablar mucho de él y guardar el buen recuerdo de un montón de canciones grabadas a fuego en nuestra memoria y entrelazadas eternamente con nuestras vivencias.

Como buen fanático que se respete que soy, no pude resistir la tentación de subir toda la discografía de ELO, la cual se puede encontrar en el foro de Prog-Jazz en el que participo y se puede acceder a ella pinchando aquí o en mi propio e incombustible foro Des-a-forados al cual se puede acceder desde ACÁ. Como anzuelo dejo los links para Out of the blue (1977) que incluye éxitos como Turn to stone, Sweet talking woman y Mr blue sky; el mentado Discovery y Time con sus conocidos, creo, Twilight, Tiket to the moon y la bella The lights go down.

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Jim White

2008-03-10T02:30:00.008-03:00

Mi amigo Jean Robur, capitán e irresponsable máximo de L'Albatros, se ha convertido de un tiempo a esta parte, en un gran proveedor de buena música para mis siempre ávidos oídos. Uno de sus recomendados que más me ha impresionado es un músico, hijo de un pastor pentecostal y oriundo del sur de Estados Unidos, llamado Jim White.
La influecia religiosa se le sale por los poros a White pero en lugar de provocar rechazo, como suele ocurrirme con aquellos que consideran a Dios como su propiedad privada, el modo en que habla de su fe y cómo ella está arraigada en un sector de su país que es casi desconocido e incluso olvidado, me pareció sumamnete honesto y atractivo. Además, musicalmente, sus discos están llenos de hermosos y acabados arreglos que nos transportan desde el Folk hasta toques de Jazz y Blues.
Como mi amigo Jean conoce a White mucho más que yo, le pedí que me contara algo y él no tuvo ningún problema en hacerlo. La siguiente es una reseña que hizo y me pareció tan buena que decidí que era la mejor manera de presentar a este tipo que tiene en Ghost-town of my brain, uno de los temas más oscuros que he escuchado en mi vida. He aquí las palabras de mi buen amigo:

Jim White, o cómo ser un un folk-singer alternativo, sin tener que hacer cosas raras, pintarse la cara, o arrimarse al político de turno. Nacido en 10 de Marzo de 1957 (¡El mismo dia que Bin Laden!), muchas veces el mismo Jim hace hincapie en eso, por ejemplo en el video-clip If Jesus drove a motorhome, tiene en su haber ya cinco albumes. El primero, el Ep Gimme 5, es inencontrable. Con Wrong - eyed Jesus (1997) White se hizo un hueco en el panorama alternativo de la mano del lider y vocalista de Talking Heads, David Byrne, que le produjo el album, aparte de ser el mandamás de Luaka Bop, la discografica de Jim. Le siguió eñ 2001, No such place, donde componentes de Morcheeba hicieron una mezcla del tema de 10 Miles to go on a 9 mile road.
Despues de grabar este album, hizo de hilo conductor del documental Searching for the Wrong - eyed Jesus, una auténtica road-movie emocional a través del espíritu y las contradicciones del sur de EE. UU. de la mano de Cat Power, Handsome Family, David Johansen, Lee Sexton y, por supuesto, el propio White.
El siguiente fue Drill a hole in that substrate and tell me what you see (2004), que es su disco más reposado y maduro, el ser padre tiene estas cosas. Y el último que ha publicado ha sido Transnormal skiperoo (2007), donde ha experimentado más que en los anteriores y quizás esto resiente un poco, siendo el más irregular de los publicados, aunque tiene grandes canciones como Crash into the sun, Jailbird o Diamonds to coal.

Sé que este cantautor es desconocido para la mayoría (como lo era para mi) pero con casi la totalidad de la música que tengo aquí ocurre lo mismo, por lo tanto, cumple con los requisitos que se necesitan para ser parte de este, también, desconocido baúl :)
¡Muchas gracias Jean!

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La Unión

2008-03-06T03:07:00.012-03:00

Hay pocas cosas que un melomaniaco disfrute más que encontrarse con un disco que le identifique totalmente, desde el primero hasta el último tema. Si, además, ese disco es poco conocido, se disfruta al doble (uno se siente exclusivo). Pero el placer llega a niveles cuasi orgásmicos cuando el mentado disco no sólo cumple con los requisitos expuestos anteriormente, sino que se le agrega la maravillosa cualidad de ser poco apreciado hasta por sus creadores. 4 x 4 (1986) cumple con todo eso y con creces.

Recuerdo que cuando me topé con él, lo único que conocía del rock español eran Barón Rojo, La Polla Records y algo de Siniestro Total, todos duros y belicosos. Y sin embargo, estos tipos con cara de buenos chicos, desmaquillados y de facha común y silvestre, me atraparon de inmediato con sus letras simples pero sinceras. No le escupían al mundo pero tampoco le creían ni lo intentaban arreglar. Sólo hablaban de sus cuitas, de sus sueños, desventuras y cosas que, a pesar de la distancia y un océano de por medio, resultaban ser muy parecido a lo que yo vivía.

Me sé de memoria cada letra de cada tema con puntos y comas incluidas. Tal vez el destino se divierte con este tipo de cosas y por eso a veces. sólo a veces, nos llega en el momento preciso una palabra, un verso o una canción que nos ayuda cuando menos lo esperamos, incluso cuando no sabemos que necesitamos ayuda. Por eso mismo es que conozco al dedillo este disco, porque me acompañó cuando necesitaba compañía y no lo he permitido abandonarme.

Las historias en él contadas no le salvarán la vida a nadie ni tampoco revelarán el significado de la existencia. Son sólo historias mínimas, de personajes mínimos, perdedores y fracasados, como aquel boxeador venido a menos que pregunta "¿pero quién puede decir que alguna vez ha sido el mejor?; gansters de barrio bajo, "al filo de la madrugada, a ella le dijo él: daría un golpe si pudiera ganar mucho dinero" e irresponsables sin rumbo fijo: "Me llaman vagabundo a veces, poco me importa ya si paso la gran parte del día en el bar" O aquella letra que repetí mil veces:

"En este barrio modesto y cruel soy conocido como el más grande bebedor de la región,
es buen momento para tomar un vaso grande de felicidad, ¡el cielo ya, el cielo ya!
No hay nada que hacer ya, soy como soy, no pienses que triunfar es lo mejor.
no creo que al final vaya a ganar el cielo en la tierra"

Pero son dos las canciones que me marcaron con su tremenda sinceridad y simpleza, De aquí allá, ese verdadero himno a la vagancia: "No te equivoques yo no soy fácil, ave de paso soy, cambio con el viento" y la bellísima Donde estabais (en los malos tiempos), que la dediqué, silenciosamente, a alguien que ya ni recuerdo por lo tanto aun me gusta y es probable que me vuelva a servir :D

"¿Dónde estabais en los malos tiempos
cuando ni gritando conseguí hacerme oír la voz?
¿dónde estabais?, dímelo, o como el resto,
olvidas con facilidad"

¡Qué se le va a hacer! no soy tan duro como pensaba. En la edición chilena de 4 x 4 se incluyó Lobo hombre en París, que originalmente se encuentra en Mil siluetas (1984). Ambos los pueden descargar desde aquí mismo por la módica suma de un agradecimiento (es broma, ya sé que es demasiado pedir pero bueno...) y como esa fue la que conocí, agregué el tema en cuestión :)

Descarga: Mil siluetas , 4 x 4

Lobo hombre en París

Mecánica Popular

2008-02-28T04:00:00.010-03:00

La de Mecánica Popular es de ese tipo de música que transporta, casi magicamente, desde el estado de ánimo en que uno se encuentra hasta otro en que la calma y el sosiego se apoderan de nuestras emociones, incluso en aquellos temas en que recurren a su veta más rockera. Sus canciones parecen estar hechas para llegar con una facilidad increíble a aquellos que, como yo, se sienten a sus anchas en días de lluvia y que no le tememos a los cielos grises ni a las tardes melancólicas.

Hay una agradable sensación de frescura que recorre sus discos que, en algunos temas, parecen hasta ingenuos. Según ellos mismos sus influencias hay que buscarlas en los Beatles, Pink Floyd, y Silvio Rodriguez entre otros, y para ser sincero, al escuchar Tres escenas para el té me parece estar viendo la sombra de Silvio insistentemente durante todo el transcurso de la canción.

Antes de escuchar algo de ellos conocí Pánico, el disco de Manuel García, entonces, ya sabía lo que podía esperar. Aun así me ví sorprendido por temas como Las meninas o Hablar de ti, que también incluyó García en su disco acompañado con bellos arreglos de cuerdas, la excelente versión de Gira, gira, girasol de Victor Jara o La pena Vuela, que según pude averiguar fue elegida por la UNICEF para acompañar la celebración de sus 50 años de existencia.

Musicalmente hablando, yo diría que lo del grupo es una mezcla de folk(lor)-rock-canto urbano ochentero chilensis; un sonido netamente criollo. Todo eso aderezado con letras que van desde el compromiso social hasta temáticas de pareja tocadas con gran tino y buen gusto. Se siente una agradable limpieza en su sonido franco, directo y amistoso que, como decía al principio, nos lleva casi imperceptiblemente, y con nuestro beneplácito además, hacia un lugar en el que nos sentimos seguros, entre amigos, entre conocidos.

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Syd Barrett

2008-02-25T03:26:00.013-03:00

Mientras leía todo lo que encontré sobre Syd Barrett, intentaba recordar en qué lugar había guardado esa revista dedicada a Pink Floyd que encontré en una feria de libros usados hace algunos años, y que ya estaba super ajada cuando la compré. Estaba casi seguro de que era en ella donde Gilmour hablaba sobre este loco lindo.
Como la búsqueda no daba frutos, llamé a mi amigo Purplechild, mi mentor musical, para que me repitiera lo que me ha dicho en innumerables ocasiones: que Barrett encadenaba notas poco habituales, cambiaba de acordes sin seguir regla musical alguna, que arremetía en tiempos inesperados, en fin, que no obedecía a ninguna lógica y sin embargo, sus composiciones funcionan. Dime si no era un genio, me dice.
Al parecer hay muchos que concuerdan con esa apreciación y no tengo la intención de contradecirlos, tampoco el conocimiento como para hacerlo. Pero como ya encontré la mentada revista y el ánimo no anda como para escribir algo original (si es que alguna vez lo hice), voy a ir transcribiendo parte de la entrevista a David Gilmour.
Luego de hablar sobre la creación de The wall y contar algunos detalles muy interesantes al respecto, le preguntan acerca de su participación en la grabación de los discos de Barrett y aquí comienzan las divergencias con los expertos que he estado leyendo toda la tarde. Según él, después de seis meses de producción, The madcap laughs (1970) estaba en punto muerto. El sello había dado por perdido el dinero invertido y el productor contratado estaba harto con Syd. Fue en ese momento en que éste se acercó a Gilmour y Waters pidiéndoles ayuda para terminar el disco y, obviamente, ellos aceptaron
El problema vino de parte de EMI que sólo les dio dos días para terminar el disco. Cuenta Gilmour:
"Básicamente, Roger y yo nos sentamos con él, después de haber escuchado todas sus canciones, y le dijimos Syd, toca esta, Syd, toca aquella otra. Lo sentamos en una silla con un par de micrófonos frente a él y lo hicimos cantar." Luego les agregaron algunos efectos y sobregrabaron algo de batería, bajo y órgano. El resultado no los dejó conformes pero el poco tiempo para teminarlo les impidió realizar algo más elaborado. "El potencial de algunas de esas canciones... podrían haber sido realmente fantásticas."
En el segundo disco sí tuvieron tiempo pero las dificultades las puso el mismo Barrett: "Tratar de encontrar una técnica para trabajar con Syd era muy dificultoso. Había que grabar las bases sin él, trabajando sobre alguna versión del tema que ya había hecho y recién luego de esto, sentarlo y tratar de que tocara y cantara, pinchando un montón de veces. O podías hacerlo interpretar un tema solo y luego grabar todo lo demás encima de eso.
El concepto de él tocando con otros músicos era imposible porque cambiaba la canción cada vez. Nunca hacía un tema dos veces de la misma forma, pienso que deliberadamente."
La entrevista despeja algunas dudas y aclara detalles, por ejemplo, sobre la aparición de Syd en la grabación de Wish you were here, pero cuando le preguntan su opinión acerca del culto que se ha hecho en torno de la figura de Barrett, es el momento en que Gilmour se despacha algunas frases más que interesantes:
"Es triste que la gente piense que es un sujeto maravilloso, una leyenda viviente, cuando en realidad existe este pobre loco triste que no puede manejarse con la vida ni consigo mismo. Él tiene cosas incontrolables dentro suyo que no puede manejar y la gente piensa que eso es una maravilla sumamente romántica. Es triste, una hermosa y talentosa persona que está simplemente desintegrada."
Concluye recalcando la idea: "Es muy triste, la de Syd es una triste historia romantizada por gente que no sabe nada sobre él. Lo han convertido en una moda."
No pretendo desmitificar al mito, ni creo que Gilmour tuviera dobles intenciones al decir estas cosas. Por el contrario, siento sus palabras como las de alguien que ve con dolor el derrumbe irremediable de una persona querida y él no puede hacer nada más que observar impotente. De todos modos, a pesar de los inconvenientes durante las grabaciones, los discos se han convertido, con el paso de los años, en obras casi indispensables de la historia del rock.

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Mazzy Star

2008-02-22T01:58:00.021-03:00

Las frías noches estivales de mi ciudad son ideales para esas largas caminatas sin rumbo fijo que, de tan repetidas, ya son un hábito necesario y placentero. Si además, se tiene la suerte de pasear escuchando la suave y sensual voz de Hope Sandoval susurrando al oído, pues, el placer es doble. Claro que existe el riesgo inminente de que el estado casi catatónico al cual nos transportan Fade into you, Flowers in december o Disappear, nos lleve a estrellarnos estrepitosamente con algún otro caminante nocturno o, peor aún, con ese automovil estacionado que apareció como de la nada (no es que a mi me ocurriera algo así, eh!)

Debo confesar que desde antes de haber visto alguna foto de Hope ya sentía una especie de amor platónico por ella, me bastaba escuchar su voz para sentir cierto calorcillo en el pecho. Y bueno, cuando tuve la primera de sus imágenes ante mis asombrados ojos, mi fascinación ya no tuvo límites. Pero como nada es perfecto en este mundo, junto a ella aparecía un tipo que, como luego me enteré, era la otra mitad de Mazzy Star, David Roback es el nombre del sujeto ese.
Juntos editaron en 1990 She hangs brightly, en el cual se evidenciaba lo que luego desarrollarían con más profundidad: toques de folk y blues envolviendo letras que recordaban a bandas como Velvet Underground y en ciertos momentos a The doors.
En 1993 con So tonight that I might see y especialmente de la mano de los tres acordes de Fade into you, se toman el mundo por asalto. Es un decir solamente, ya que nunca disfrutaron de una fama masiva sino que, principalmente, el duo fue valorado en su justa medida, más que nada por los seguidores de la música alternativa y experimental. A pesar de eso, el tema ya mencionado logró una difusión más que respetable en muchas partes del mundo, inclusive en paises tan exóticos como Lituania y Chile.
El último disco del duo es Among my swan de 1996, el menos sicodélico de los tres y en el que exploran con mayor tranquilidad y desenfado su veta folk. Y aunque este dato no creo que tenga mayor importancia, es mi favorito. Además de Disappear y Flowers in december, que tuvieron cierta resonancia radial, destaco Roseblood y especialmete la bella simpleza de I've been let down.
Sólo tres discos, un montón de canciones entrañables y la voz de Hope, es lo que queda a disposición de los sentidos de quienes se interesen y agrego un cuarto que corresponde a lados b y tomas en vivo.

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Fade into you

Eddie Vedder Into the wild 2007

2008-02-19T16:16:00.014-03:00

"Si admitimos que la vida humana puede regirse por la razón, se destruye la posibilidad de la vida"

(Alexander Supertramp)

Hay varias cosas que me agradan de Eddie Vedder y sus amigotes de Pearl Jam: me encanta esa actitud desafiante ante el stablishment porque sé que no es sólo una pose. También el compromiso férreo y sin concesiones con su música y con sus seguidores, algo que me recuerda la relación tan rica y fructifera que existe entre Marillion y sus fans; o la entrega total y admirable de Joe Strummer hacia quienes se acercaban a estrecharle la mano.
Cuando me enteré que los muchachos de Pearl Jam ofrecían las grabaciones de conciertos suyos en su página para descarga gratis y que, además, recomendaban algunas sobre otras por cuestiones de calidad de sonido, sonreí satisfecho al imaginar el dolor que sentían en lo más íntimo de su bolsillo los mercenarios de las disqueras.
También me agrada saber que a pesar de vivir malos momentos, como todo el mundo, fueron capaces de enfrentarse a ellos, entendiéndolos sólo como parte del precio que se tiene que pagar al hacer las cosas con pasión. No cayeron en la autoindulgencia ni en la tentación de convertirse en mártires, sino todo lo contrario, prefirieron ser menos famosos pero seguir su propio camino.
Entonces, no me extraña que Sean Penn dijera que a medida que armaba su película y veía a Emile Hirsch evolucionando en su personaje de Christopher (aka Alexander Supertramp), se le aparecía con insistencia la voz de Vedder. Y su idea inicial de incluir canciones de varios cantautores se redujo a uno solo.
El resultado es este disco que supera la categoría de soundtrack, y se convierte en una pequeña joya en la que Eddie demuestra que entendió perfectamente las motivaciones de un muchacho que buscaba su lugar, por muy pequeño que fuera. Y en esa busqueda, casi sin proponérselo, fue cambiando la vida de quienes se encontraba a su paso y, a la vez, se fue permitiendo cambiar y crecer.
Un gran disco Into the wild, de no mucha duración, pero eso mismo nos permite oirlo una y otra vez sin cansar. Si existe la posibilidad de ver la película, pues mejor aún.

Into the wild

Los Blops

2008-02-16T20:00:00.024-03:00

Los Blops tienen a su haber un par de detalles muy especiales: primero, ser los creadores de un disco del que muchos hablan pero que pocos han escuchado y, además, ser rechazados tanto por la izquierda como por la derecha de la ultra politizada sociedad chilena de principios de los 70. Por un lado se les tildaba de hijitos de su papá y extranjerizantes por hacer rock y desde el otro bando, les criticaban sus cabellos largos y esa costumbre tan extraña y no bien vista de vivir en comunidad.
Esto mismo ayudó a crear una ferrea cohesión entre los integrantes del grupo, sumada a una disciplina casi espartana que, según Eduardo Gatti (guitarrista y compositor) no se circunscribía sólo a lo netamente musical, sino que abarcaba detalles tan íntimos y cotidianos como es el quehacer diario de cualquier mortal.
"Nos levantábamos a las siete de la mañana con un musu (baño con paño frío estando en cama) luego ducha helada, gimnasia, trabajo de meditación, desayuno y ocho horas de ensayo."
Tal vez esto fue lo que les dio la fortaleza suficiente para sacudirse el fracaso de su presentación en el Festival de Viña del Mar de 1972. "Todo partió mal desde el principio - recuerda Gatti - si hasta el animador en medio de la presentación nos pregunto ¿Chiquillos como se llaman ustedes.? Además nuestra actitud fue provocadora, en vez de tocar parados tocamos sentados en loto." Luego de eso, decidirse por hacer la música que querían sin pensar ni esperar mucho del público, fue lo más lógico y sano. De allí nació La locomotora, disco tanto o más mítico que el primero que grabaron Los Jaivas.
Pero revisemos un poco la historia musical... no la del grupo sino la mía :D
Cuando aún era un imberbe y taciturno adolescente llegaron a mis manos Los Blops y Locomotora, debut y tercer y último disco en estudio del grupo, respectivamente. Y recuerdo que, además de Los momentos, que para el rock chileno significa más o menos lo mismo que Canción para mi muerte para el rock argentino, y un montón de canciones que mezclan rock, folk y lisergia, lo que más me llamó la atención fue que estos tipos cantaban en... chileno.
Así es, en un país en que se piensa que todo lo que vale la pena viene desde afuera y se imitan vergonzosamente acentos extranjeros, que alguien cante: Frío má' que nada frío, tengo yo lo' pie', suena casi transgresor y refrescante. Esta mala costumbre nuestra de no pronunciar las eses de pronto me pareció exquisita y entrañable. Si a eso agregamos un trasfondo humanista y un profundo sentido espiritual, pues, era imposible no dejarse atrapar.
Locomotora es totalmente diferente, no sólo por ser instrumental ni por la extensión de sus composiciones sino, principalmente, porque es un disco que nació de la rabia, del deseo de patearle el culo al mundo luego de su nefasto paso por el sobrevalorado festival viñamarino: ”Nuestra actitud posterior fue: ¡qué vamos a darles canciones delicadas a estos hueones, hagamos rock duro!”. Y eso hicieron, crearon 5 potentes temas de corte netamente progresivo, considerado el primero de esta tendencia musical hecho en estos lares. Un discazo, así, con todas sus letras, a pesar de sus imperfecciones de edición (que las tiene).
Varios años más tarde me encontré con Del volar de las palomas (1971), que fue el segundo en editarse y el eslabón que me faltaba en la transición entre los otros dos. Por variadas razones, que van desde lo familiar hasta reminiscencias de un pasado idealista, mucho más participativo y colectivo en mis intereses, se ha ido convirtiendo en uno de mis favoritos con el paso del tiempo, como en una especie de soundtrack personal.
Para mi gusto, aquí está incluido una de las mejores canciones del rock chilensis y también, de las que más me interpretan. A pesar de escucharlo en innumerables ocasiones, mi fascinación por el tema que da nombre al disco no decae, la voz de Ángel Parra, en su rol de vocalista invitado, parece desgarrarse a medida que transcurre esa verdadera nube de emociones. Simplemente estremecedor.
A propósito de artistas invitados, Los Blops cumplieron con este rol en El derecho de vivir en paz y Abre la ventana de Victor Jara, lo que demuestra la apertura mental del creador del Cigarrito que, en los momentos en que muchos discriminaban a ciertos músicos por no seguir la corriente en boga, los invitó a acompañarlo en dos de sus temas más bellos.
Y ahora... ahora siento esa sensación ya un poco familiar de que me he quedado corto, de que debí decir mucho más de lo que dije, que a pesar de tratarse de uno de mis grupos más queridos no supe ni pude comunicar todo lo debía acerca de ellos. Pero ¿quién sabe?... en una de esas, quizás sea para mejor.

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Los Momentos

Fuente de consulta: Rock Progresivo.org